jueves, 27 de diciembre de 2012

Madonna con niño, de Andrea Mantegna


MADONNA CON NIÑO de MANTEGNA

Padua 1431,Mantua 1506.
Vamos de sorpresa a la estupefacción viendo como aparece obra suya. Tuvo un supuesto maestro ,Squarcione ,al que se le calificaba de pendenciero ,embaucador y mentiroso ,se han reconocido inexactitudes casi calumniosas en sus escritos ,notas biográficas que dejó a la posteridad. A los 16 años Mantegna pleiteó y ganó la causa para independizarse del contrato que le hubiera retenido por algún tiempo en el taller de Squarcione.
El panorama en ese tiempo no parece que dotara a Padua de buenos talentos en la pintura , dado que entre las pocas opciones estaba ese taller de Squarcione . Sin embargo  el "treccento" dio una buena escuela de la que Mantegna pudo nutrirse por su cuenta, la capilla Lido tenía las paredes cubiertas por frescos de Altichiero. Aquella fue pues  primera escuela para Mantegna , sin olvidar que Donatello estuvo en Padua entre 1449 y 1453 que coinciden con los años de formación de Mantegna. También estaba la capilla de Scrovegny pintada por Giotto ¿Así que qué más maestros necesitaba Mantegna para formarse que Giotto y Donatello?.
En 1448 fue incluido en un grupo de maestros  para pintar los frescos de una capilla en la iglesia de los Ermitaños., se trataba de un templo grandioso que fue destruido e incendiado en un bombardeo durante la 2ª guerra M. Muchos consideran la pérdida artística más importante de la guerra en Italia , habían mantenido  muchos historiadores que habría hecho justicia señalando a Mantegna como uno de los más grandes del "cuatroccento"  junto a Miguel Angel , Rafael y Leonardo, además no hay que olvidar que Mantua no era Florencia ni Roma.
En la Iglesia de Los Ermitaños había una capilla de la que eran patronos los miembros de la familia Ovetari, por testamento de un tal Antonio Ovetari en 1448 dedicó 800 ducados para la decoración de aquella capilla. Su viuda , Imperia Ovetari  escogió los artistas , y con cierta malicia dividió el trabajo ente dos parejas de pintores : 2 viejos maestros venecianos de la escuela de Murano , Giovanni d´Alemagna y Antonio Vivarini . Y otros dos jóvenes locales Niccolo Pizzolo y Andrea Mantegna. Había rivalidad, al año muere Giovanni d´alemagna y es sustituido por Bartolome Vivarini ,hermano de Antonio, sólo que pronto los jóvenes terminan eclipsando a los venecianos con todo el campo. De Piezzolo tan sólo se recuerda la decoración de dos lunetas de la bóveda. Lo que triunfa y queda permanente, a pesar de la destrucción material, son los frescos de Mantegna.
el lector puede apreciar , hasta por las miserables reproducciones ,que las paredes de la capilla Ovetari  rebosaban de personajes caracterizadísimos ,un amplio abanico de rostros , gestos ,anatomías , expresiones  técnicamente superiores que vivirán , aunque no existan más que como espectros fotográficos que se conservan en las reproducciones precedentes a la guerra. Triste consuelo para los que vimos aquellas  capillas rebosantes de color y hoy las vemos descarnadas, ahumadas u deshechas ,(Summa Artis)

Es el mundo de Mantegna porque aquel artista tenia alma y ojos capaces de descubrir en cada cosa y cada ser lo que era más expresivo de su forma y movimiento. Sorprende que allí en Padua, sin haber visto Mantegna todavía más que los restos de la antigüedad provincial del norte de Italia, reconozca, como superiores por la belleza y grandiosidad ,las arquitecturas romanas . Estas dos son las características cualidades de Mantegna : la de revelar estados violentos del espíritu y de la forma con plásticas representaciones, y la pasión por la belleza antigua. Nunca las expuso tan francamente como en los frescos de Padua.

MANTEGNA EN VENECIA
Se ha dejado de poner a Mantegna en el volumen de arte cuatroccentista porque no participó en  el grupo que pertenecíó al movimiento humanístico de Florencia ,y menos aún al de Milán. En cambio influyó en establecer la dirección que iba tomando el arte veneciano .Se casó con la hija de Jacopo Bellini y mantuvo una cordiales relaciones con los hijos de aquel :Gentile y Giovanni Bellini ,los verdaderos fundadores de la escuela veneciana.
Los Bellini fueron a Padua para pintar un altar y para ver la obra de Donatello ,en compañía iba la doncella Nicolassia.
Ya emparentado con los Bellini , no pudo evitar que le llamaran a Venecia.
Estamos ante otro caso similar al de Antonio de Mesina ,de extranjero artista atraído por el gran deseo de renovación que sentían los venecianos a final del cuatroccento.
Había ahí entonces también Florentinos ,como Andrea del Castagno y fue con éste y con su cuñado Gentile Bellini con los que contribuyó Mantegna a decorar una capilla en la basílica de San Marcos. La llaman la capilla del Mascoli, o de los hombres por que la cofradía que en ella custodiaba no aceptaban más que a varones.
La decoración se mantiene intacta ,pero debido, probablemente a la prepotencia de sus colaboradores no se percibe en la capilla de los Mascoli el empuje y la gran originalidad que reveló Mantegna en la capilla Ovetari.
 Durante su estancia en Venecia se alojó en la vecina Mantua. Nicolasa Bellini ,es constado que le hacía la vida muy satisfactoria ,la recuerda en su vejez y habla cariñosamente de ella en su testamento , le dio unos cuantos hijos , no se sabe el número exacto  ciertamente. Lo que está claro es que en sus Madonnas con niño no están lejos de representar un tipo de maternidad muy familiar para un padre y esposo observador
 He leído comentarios  acerca de la distancia , de la expresión de las manos de María , de el sueño del niño , incluso del estado sin vida del mismo , de la forma de huevo de la sección del manto ,símil com el útero y placenta , del aspecto fetal del bebé , majaderías la mayoría , mi conclusión es que se trata un pintor que ha vivido repetidas veces muy cercanamente el nacimiento y cuidado de los hijos , no hace falta pues, que ningún especialista nos aclare  ni nos maree con semejantes observaciones. Sin saberlo a ciencia cierta , resulta más que comprensible que los modelos fueron su esposa Nicolasa con uno de sus hijos recién nacidos . Esa postura de las manos esa forma maestra de sujetar a un recién nacido en el regazo solo es propia de una madre experimentada, extendiendo l las dos manos ,proporcionando el máximo contacto corporal del niño a través de las manos que se amoldan con sus dedos a la propia anatomía del niño proporcionando una sabia y eficaz sujeción y estabilidad  sal tiempo que manteniendo esa unión corporal con el cuerpo materno , por otro lado permite economizar al máximo la carga del bebé durante un tiempo prolongado mánteniendo algo separado y así poder articular y descansar el cuerpo en general, economizando la carga sobre hombros y columna , no del nió , sino los nuestros , quien ha tenido a su hijo durante un tiempo prolongado en brazos sabrá de que estoy hablando.
 Cuenta que pintando en Venecia el tríptico de San Zeno ,llegaron invitaciones del marqués Ludóvico Gonzaga con fecha del 5 enero de 1457 : Ludovico escribe: " …y para que comprenda mis buenas intenciones , le daré un salario de 15 ducados a mes  con habitación que sea suficiente para vuestra familia, y tanto trigo como sea necesario para mantener a 6 personas, además de leña. Se puede entender con esto que en 1457 con 26 años contaba ya con cuatro descendientes. 
Durante su estancia en Venecia dejó a su cuñado bien impregnado de conocimiento y técnica , así Juan Bellini y este que llaman Gian Bellini son los reconocidos fundadores de la pintura veneciana del renacimiento. Los grandes como Mantegna no necesitan actuar ,con su presencia dejan doctrina y discípulos.

La mano derecha de María establece esa sabia sujeción propia de una Madre ,situada por instinto permitiendo al niño mantener su dulce estado de sueño en postura vertical  ,pudiendo así mostrarlo al espectador devoto, pastores , magos ,…a la humanidad . Así ,descansa sereno, tranquilo y sabiéndose protegido , la mirada de ella no está para nada ausente contrariamente a lo que varios estudioso han querido demostrar ,digamos que la sitúa en un estado mental compartido , propio de mentes inteligentes que pueden estar controlando varias situaciones al mismo tiempo , eso es lo propio de quien es madre de Dios ,atenta a su hijo y atenta a toda la humanidad .Resulta chocante los comentarios de algún crítico alemán respecto al óvalo dibujado por el contorno del manto ,lo asemejan a la sección de un cono o de un tubo ,otros se refieren a la forma ovoidal , como representación del huevo y de todas sus connotaciones que pueda traer consigo , algo más bien interesante  para una nueva novela de Dan Brown (El código da Vinci), aunque  no entiendo bien por que desviarse a tal extremo y más en tiempos actuales . Mas bien yo creo que pudiera ser capricho del contratante del cuadro , en aquellos tiempo se compraba el oro que luego se ponía en los cuadros ,bien en forma de corona a la que Mantegna deja bien claro que no es muy partidario , bien por que deshumaniza a los modelos , bien por que rompe de forma muy artificial el dibujo , la composición , o los propios valores anatómicos que un dibujante valora cuando dibuja , así que me gusta pensar , no con ello acertar por supuesto que esa fracción de manto dorado totalmente geometrizado corresponde al lugar en el que se el pintor ha decidido ubicar ese pan de oro obligado a poner "por contrato" evitando estropear su composición con esos "platillos" dorados  ,símbolo de la santidad ,entorno a la cabeza , no olvidemos que estamos en los años del "humanismo".Y sinceramente a esta Madonna no le hace falta ningún símbolo de santidad , su actitud lo dice todo.
Andrea Mantegna ,no es un desconocido , fue un excelente pintor ,  hay mucho de misterio en toda su obra , en concreto en esta pintura de la Madonna con su niño . Según las enseñanzas de la facultad en la que yo estudié allá por principios de los 90, y no digo ya en tiempos de Ingres  ,tal cuadro de Mantegna habría sido suspendido , tanto por el engañoso dominio anatómico de los personaje como por el modo  de pintar, al que llamaría "ingenuo" alguno de mis profesores de pintura en tiempos de la facultad . Pinta ingenuamente quien piensa que se aclara con blanco y se oscurece con el negro , en aquellos tiempos nos ejemplificaban los retratos de tolouse-Lautrec como , con su fiel dominio de lo que algunos llaman la teoría del color , a la luz en tono salmón en las carnaciones le corresponde una sombra turquesa por ser su complementario , El caso es que ni Tolouse ,pienso , era tan riguroso científicamente, como que se dejaba más bien llevar por la sensatez de alguien que une une el sentido común al instinto de pintor y dibujante.
Las luces que presenta la cara del niño dadas con pasta de blanco de plomo ,no sería algo  muy recomendable en las academias del siglo XX .Ese hombro  inexistente , ese más que difícil e imposible encuentro de la clavícula  con el húmero ,al tiempo que si cualquiera se propone el ejercicio de localizar el codo se daría  cuenta que tal longitud de brazo se sale incluso de los cánones que un siglo  más tarde desarrollaría  El Greco ,incluso en tiempos de Mantegna el propio Tintoreto. Sin embargo , es el rostro de María el que delata a uno de los más interesantes y grandes pintores que ha dado la historia , esa enigmática mirada perdida ,al tiempo que conectada misteriosamente con la mirada de un niño que mantiene sus ojos cerrados , pero que sin embargo siente a su madre como si se mantuviesen ambos aún unidos por el cordón umbilical. Son las manos de María quienes hablan en este cuadro y encierran en su anatomía y postura todo el sentimiento de amor y cobijo que da una madre a su hijo, el niño está en una postura digamos difícil , imposible para la pintura de entonces , con unos rasgos faciales que en una primera impresión se acercan más a la vejez que a la infancia , pero solo es cuestión de décimas de segundo , la maestría de Mantegna le permite jugar y hacernos esas pequeñas trampas que los más ingenuos atribuyen su invención a Picasso . Andrea Mantegna pintó en Padua los ,según palabras de Gombrich ,  más fascinantes frescos que jamás ha pintado el hombre , solo que los bombardeos de la segunda guerra mundial nos mutilaron a todos , lo que serían unos brillantes testimonios de la historia de la pintura , .No hay coronas , ni halos dorados que eran obligados en aquellos tiempos , y es que no  hacían falta en este cuadro, la santidad está servida de la propia mano del pintor . La calidad técnica está más que presente , incluso se permite hacernos trampas con los recursos que hoy muchos considerarían , improcedentes , pero ,si es que las normas están para saltárselas.
Se trata de un cuadro muy pequeño , unos 40 x 30 cms , se puede contemplar en la Gemäldegalerie de Berlín , sin duda uno de los cuadros más asombrosos que recuerdo haber visto.
Y que espero ver pronto por segunda vez.
Y es que con ella pintura renacentista ,me pasa como con Los Beattles , a mi el que me gusta es  el tercero ,George Harrison .Y entre tanto MacArtney ,y Lennon de los virtuosos del renacimiento italiano  , yo me quedo con ANDREA MANTEGNA.

                                                                                                                                                 Nani Boronat

domingo, 11 de noviembre de 2012

Seducido por la Dama de la figuración

Madre mía!!!! , hace dos noches me encerré con un par de cervezas en el estudio ,con intención de pintar y terminé coqueteando con "la figuración" ,....,el resultado fue este
¿me estaré haciendo mayor.....?, lo cierto es que la dama de la figuración era muy poderosa ,....y seductora.!!!!


Así escribía sobre el cuadro que en estos momentos tengo en el caballete , estoy preparando un nuevo lienzo para llevarlos pintando al mismo tiempo.
lllllllllll

miércoles, 5 de septiembre de 2012

Hacía mucho tiempo que no arrancaba un cuadro con imprimación que no fuese en blanco. Creo que desde antes de venirme a vivir a Múnich ,van a hacer ya 6 años. Mañana mi pequeño Marco comienza su andadura académica con su primer día en el "kindergarten",atrás quedaron los deliciosos días conmigo en casa . Hoy  papá quiere también arrancar una nueva etapa con nuevos cuadros. He rescatado el pigmento óxido amarillo y óxido rojo de las viejas cajas de materiales en mi estudio , como diría Rafael Arberti ,el alvero y la sangre , la tierra españa que inmortalizó  Goya en sus imprimaciones , la mezcla de ambas , lo podéis ver en sus pinturas quienes por suerte estéis cerca de "El Prado" (el museo). Este cuadro se trata de un encargo por eso tengo una tabla más pequeña en la que iré experimentando antes de incorporar elementos en el cuadro . Haré un seguimiento fotográfico de las distintas fases por las que atraviese este trabajo. ...al igual que mi hijo , yo también comienzo el curso........
Buena entrada de septiembre a todos los estudiantes!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

martes, 7 de agosto de 2012

Conclusiones tras el taller de pintura infantil





Y ahora toca el turno para hacerse preguntas . ¿como y hasta que punto es bueno , o deja de ser bueno el forzar la situación en el dibujo de un niño?. Me ha sido fácil interesarles por la mancha , por la geometría , por el contraste entre ambas , preparar texturas , provocar situaciones de conflicto dentro del cuadro. Lo más importante y el primordial objetivo que me marqué en ese taller , era hacerles escoger , el invitarles a ser ellos mismos los dueños de las decisiones dentro del cuadro , eso lo tendrán que hacer pronto en sus vidas. Se han encontrado en momentos de conflicto , querían añadir formas , elementos nuevos , pero eran conscientes de que eso que añadían obligaba a sacrificar zonas bonitas del cuadro que quedarían entonces ocultas , eso es lo que les he querido hacer ver ,han aprendido lo importante de dar un paso atrás , observar el cuadro por unos instantes y escuchar lo que nos pide ese cuadro que hagamos con él . He comprobado que todo esto  en un niño es mucho más fácil hacer ver que en  un adulto , el adulto se encuentra generalmente en situaciones de caos , el niño abstrae todo con mayor facilidad , supongo que por su condición de niño está menos contaminado de prejuicios y sabiduría externa , no duda tanto y acierta más a la hora de escoger el color . Hemos trabajado con muy pocos colores acrílicos ni siquiera con los primarios , han sido colores escogidos al azar de mi caja de materiales ,tres ,cuatro , y con ellos se han apañado , han descubierto lo simple que es fabricar un tercer color con la mezcla de dos  y como las proporciones de uno u otro influían en el matiz final. Ahora bien , no quiero para nada que pierdan su instinto , su necesidad de delimitar espacios cerrados con un lápiz para luego rellenar con un color , la composición de los niños, su manera natural de abstraer de la realidad y su representación peculiar de la realidad, en definitiva su dibujo personal y su intento de afinar más en el dibujo , es necesaria entrenar esa destreza de la mano. al tiempo que hacerles ver que con la mente también se dibuja, que todos tenemos una MIRADA personal Este taller ha consistido en unas pocas horas, dos horas de lunes a viernes, mostrándoles que no solo con la mano se componen dibujos ,que con un pincel grande , la muñeca , el brazo z hasta todo el cuerpo también intervienen , que los trazos gruesos de color tienen su interés y dan un nivel de definición distinto al de una lápiz bien afilado . Por suerte para mi, por el placer que esto supone ,me han pedido volver regularmente al taller a partir de septiembre ,para entonces todo este tipo de cosas van a formar parte del programa especial que preparo para ellos , comenzaré con el dibujo en seco para mostrarles otro punto de partida  ,y poco a poco que ellos escojan su propio instrumento para componer su sinfonía. Es muy bueno para todos la diferencia de edades , desde los 5 años de Elena hasta los 10 de Euridice, se trata de que todos aprendan de todos , incluido yo. Para empezar anoche inicié mi primer cuadro en mucho tiempo parte de culpa la tienen estos niños que me han devuelto la vida de pintor que estaba en letargo.

viernes, 3 de agosto de 2012

soy artista ,....,y si me gustan los toros , buenoyqué!!

Ayer veo la noticia que Morante de la Puebla y José Tomás van a compartir faenas en Huelva . Acontecimiento único , creo que puede ser algo que en mucho tiempo no se va a repetir ,y no precisamente por la desaparición del oficio sino más bien por la coincidencia de dos magos de la tauromaquia ,los más grandes del siglo en el que recién hace una década que estamos viviendo y sufriendo. Lo que no entiendo muy bien es a que puede venir el reparo , o el miniescándalo entre amistades que supone en que yo sea artista plástico y admirador de otro arte más como es el de la Lidia ,tauromaquia o "los Toros" ,.....incluso como lo llamaba Picasso  el arte de la minotauromaquia. Nací en el hogar de un padre muy aficionado y experto en esta materia , y desde pequeñito me animé a compartir esa afición , como espectador.
Tengo la sensación que como "artista" estoy saliendo del armario con esta confesión que según lo establecido puede ser contradictorio con el traje de artista.

lunes, 30 de julio de 2012

H.E.O.E!!!

Hugo ,Elena ,Oscar y Euridice . se trata de los alumnos de mi nuevo taller infantil que hoy hemos iniciado. He bajado ahora al estudio para organizar un poco los materiales para la jornada de mañana y me he sentido una hermosa satisfacción al ver sus trabajos de hoy sobre la mesa ,he estado unos minutos contemplandolos ,y......, realmente ME SIENTO FELIZ!!!

sábado, 28 de julio de 2012

Mi nuevo proyecto escultórico :TRAMPOLINES OLÍMPICOS"

Con la imagen de la escultura que hace unos meses puse de portada ,doy por puesto en marcha mi nuevo proyecto escultórico al que llamo "trampolines olímpicos". se trata de una serie de piezas y dibujos a los que he llegado dentro del proyecto sin final en el que llevo tiempo metido ,me refiero al que titulé "en la palma de la mano " un museo de  pequeñas esculturas para ser mostradas desde la propia mano. Mañana comenzaré a publicar los primeros dibujos.
 Nani Boronat

domingo, 22 de abril de 2012

Borrador para un taller de pintura para niños,..,acepto ideas


Ayudarles a considerar que la expresión está en la mancha.
No es fácil entrar de lleno en el mundo de los niños , requiere dedicación y experiencia , por ello está tan claro que no todos valemos para educar, aunque quienes somos padres no tenemos más narices que tratar de aprenderlo. Sin embargo tras unos meses impartiendo talleres de pintura para adultos, más algunos en los que en su momento asistí como alumno ,creo, siento y deseo ,dar el paso a un nivel superior , con un alumnado mucho más exigente , en el sentido en que si uno no consigue seducirles con algo interesante, complicado lo tiene. He reflexionado algo ,he analizado mis talleres actuales y he recordado mis tiempos de alumno en el colegio ,al tiempo que he observado y experimentado algo con los niños que más cerca tengo ,en este caso mis hijos. Yo no era ni malo ni bueno como estudiante , solía aprobar  pero sin excelentes  calificaciones , y por supuesto que  de vez en cuando algún suspenso llegaba a  casa. Hoy me gusta recordar cuando llegaban las horas de plástica , eran esos momentos en los que  unos cuantos nos sentíamos los “reyes del mambo”,   cierta destreza  a la hora de dibujar nos hacía sentirnos los aventajados respecto al resto de la clase , al igual que otros lo sentían cuando llegaba la hora del partido de fútbol en el recreo , todo estaba en equilibrio como tiene que ser , cada uno tenia sus minutos de gloria a lo largo de la semana. Eso al menos a mí me ayudó mucho.
Hoy ,sin embargo lo veo de otra manera ,  por que no todo es dibujo ,está claro que se dibuja con la mente ,mejor dicho con la mirada , que luego la mano , y con ella el lápiz o pincel se dedica a obedecer unas órdenes que nuestra mente les va mandando. La tradición nos ha enseñado a ver todo con líneas ,a dibujar con vectores, para luego componer geometrías cerradas   con esos vectores que finalmente rellenaremos de manchas de color , supuestamente ahí es donde comienza la pintura, y por lo que he observado todo lo que se escape de ese método queda en un ejercicio de algo que equivocadamente algunos llaman creatividad,  utilizando métodos basados en la pura espontaneidad , cuando creo que la verdadera espontaneidad creativa surge tras un comienzo riguroso ,cuando tras unos síntomas de cansancio físico la mente comienza a dar órdenes a una mano cansada que se comienza a mover con cierto automatismo no razonado , por lo que he experimentado y comentado con otros colegas en este aspecto se trata de un cierto llamémosle “estado de doping mental” en el que nuestra mente que lúcidamente ha saltado un escalón  sobre nuestra razón comienza a manejar a un sistema de cuerpo-brazo-muñeca-mano dedos que no sienten el cansancio que instantes antes sentían . Pero, ¿por qué no cambiar el método? ¿por qué no partir de la mancha  ?,¿por qué no partir de las texturas ,de los materiales?,  ¿ por que no utilizar ambas manos y empezar a modelar la materia?
En esto consiste la propuesta para este taller. Me ha llevado dos décadas de trabajo , investigando  con mi propia obra para ahora poder transmitir un método que pienso es interesante para potenciar el estímulo creativo en nuestros hijos. Intentemos  pues empezar transmitiéndoles sensaciones con la pintura de Tapies por ejemplo. Algo que para mi fue tan atractivo en la infancia , como era ver  a un albañil manejar el mortero con la llana  o un alfarero trabajando con el torno . Hacer de eso  el punto de partida ,  el juego de los materiales y las manos. Propongo materiales, herramientas y métodos tan simples como el preparar en un bowl  una masa de polvo de arenilla de mármol con aglutinante acrílico u pigmento para fabricar esa masa de albañil que luego darán con una espátula sobre una superficie de madera , maderas que provendrán de muebles viejos , de cajas de fruta que la gente tira , con ello les hablaré del “Art-povera”, de la importancia que tuvo para unos artistas en una Italia destrozada en la postguerra el tener que buscar de los escombros trozos de puertas , marcos de ventanas y telas de viejos sofás para poder realizar sus trabajos, hablo de Italia por que fue donde se acuño este movimiento vanguardista, por que tancierto es que esa tendencia povera fue generalizada. Luego, que sea  precisamente ésta, la puerta para explicarles lo que fueron ,en que consistieron las vanguardias artísticas del s.XX. Me gusta hacerlo en los talleres de adultos y también es importante hacerlo para los niños, me refiero a las relaciones y guiños de las vanguardias con la pintura tradicional , es fácil hacer comprender el trabajo de Tapies con un cuadro de Goya delante , el de Saura con uno de El Greco , y el de Barceló con uno de Fray Angélico  por ejemplo.

Pretendo que vuertros hijos manejen rodillos ,espátulas ,viejas brochas de pintor endurecidas , de esas que supuestamente ya no sirven, ,arenar ,materiales de carga y pintura acrílica, quiero que ellos mismos reflexionen sobre su propia pintura , que sean capaces de pararse unos instantes delante de lo que están pintando y que se encuentren con encrucijadas , con tomas de decisiones que les hagan dudar , que sean conscientes que hay momentos en los que deberán sacrificas unas zonas bonitas de su cuadro que habrá que tapar para seguir  un camino con mejor futuro para su cuadro, mi pincipal objetivo es que tomen ellos sus propias decisiones en sus lienzos, algo tan complicado para los adultos y no tanto para ellos , se trata de unas primeras lecciones de estética que luego espero y deseo que les sirva para el resto de sus vidas , es algo tan sencillo de entender como una partida de ajedrez, el ejemplo de un caballo o una reina que en un momento hay que dejarse matar para poder ganar la partida.

viernes, 20 de abril de 2012


Leía hace poco , en  una entrevista a Antonio Banderas , que se está preparando para hacer el papel de Picasso que dirigirá Carlos Saura. El mismo que demostró , a pesar de ser aragonés  y hermano de pintor , no entender un “pijo” de la obra de Goya cuando nos presentó su Goya en Burdeos. También recuerdo leer en su día como el tal director había esperado años a que el actor Paco Rabal  ,envejeciera hasta parecerse físicamente al Goya que el realizador tenía en mente . Creo que un buen actor como era Paco Rabal no necesitaba envejecer para representar un papel , con su técnica se bastaba para hacernos creer que estamos ante el verdadero Goya. Ahora , nos cuenta Banderas que Picasso era malagueño , como él , es más que incluso nacieron y vivieron en la misma calle. Y es que uno no puede dejar de atemorizarse  al pensar que esa es otra de las razones de Saura por la que escoge a sus intérpretes, . Y digo yo , quién demonios le habrá dado vela en este entierro, que nos deje a Picasso en paz . Que si Picasso nació   y vivió hasta los cuatro años en Málaga , no es razón como para plantarle un chupete y pantalones cortos a Antonio Banderas  para que nos haga un Picasso  de cuatro años, que comenzaba  a hablar con acento malagueño, anda que no tenemos actores gallegos buenos para hacer el papel de un Picasso en La Coruña con siete años , o catalanes para representar a un pintor adolescente en sus años de “Els cuatre gats” .Luego aparte nos bombardeará con música flamenca que tanto le gusta, puesto que no creo que nos meta piezas de Satie , que es lo suyo, la fotografía de un Storaro o Aguirresarobe  (sin duda los mejores en su gremio) ya para darle el sello Saura y,.........
Picasso tiene mucho de malagueño ,lo tiene todo de andaluz aunque el acento es lo de menos .Si resultase que es verdad que mantuvo su marcado acento andaluz hasta sus últimos días que trascendencia puede tener para elegir a otro malagueño californiano ,yo no me lo creo es más que probable que le desapareciera durante su estancia en Galicia ,más cuando a esas edades se contagian con tanta facilidad los acentos. Conforme uno sigue interesándose por su trabajo no deja de convencerse que si algo hizo genial a este pintor es que aglutinaba en su sangre u obra todos los componentes de la cultura ibérica , nació como andaluz , vivió como un celta en  La Coruña y se convirtió en fenicio en el Barcelona de finales del XIX, luego hasta gente como Oteiza nos convencen de que tambien Picasso era vasco. Picasso es Altamira ,es Velázquez , es Goya , es Ribera  El Greco, Picasso es Giotto ,es Fidias y tambien es Apeles y mucho más, aglutinado por los pasos que le invitó a dar Cezane, y puede que  hasta Sorolla y Zuloaga.
Llevo años haciendo un juego que consiste en crear mis propias películas sobre pintores , y poniendo caras de actores a mis personajes , y así  hoy, imagino a un Miki Molina o  Carmelo Gómez haciendo de  DiegoVelázquez, a un Eusebio Poncela de Ribera “el Spañoletto”  o incluso de el Greco,  y para un Picasso joven , últimamente pienso en un Achero Mañas o en Oscar Jaenada  (hizo un excelente trabajo en el papel de Camarón) , para un Picasso adulto lo pondría en manos de un  Emilio Gutierrez Caba , o de un Alfredo Landa. Sobre quien es el adecuado para realizar tales películas , eso ya es otro tema para mucho extenderse . Pero, quizás no haría un mal trabajo un realizador como Antonio Banderas . De todas las películas que he visto sobre pintores , la que más me ha gustado es la que ha hecho otro pintor ,y no me refiero al Schnabel con “Baquiat” (según se comentó por algún medio que era la película hecha por el peor pintor vivo sobre la vida del peor pintor muerto , personalmente pienso que tampoco le faltaba razón) sino a un Ed Harris en  “Pollock”. Victor Erice hizo una excelente película con “El sol del Membrillo”.
Reflexión un poco fuera de tono la de hoy , pero es que hoy tengo ganas de criticar , puede que mañana las tenga de pintar .
¡Buenas noches y buena suerte!

martes, 31 de enero de 2012

UN FINAL FELIZ –ACTO DE CANIBALISMO CON UNA DE MIS OBRAS.




Canibalismo- acción de alimentarse de materia humana- degustación de la esencia del hombre- nutrirse de sustancia humana- comerse la propia producción –comer mi propia obra – destruirla para luego consumirla –Consumir el arte para que forme parte de uno mismo- arte hecho por el hombre  y para alimentar al hombre- ¿Tal vez  supondría un acto caníbal comerse un queso , una buena paella?- si está hecha con restos humanos puede ser ,¿supondría un acto caníbal la lactancia materna? Está claro que no , se entiende por canibalismo el consumo de materia cárnica humana ,un pelo que se desprende en la masa del pastel que luego nos tragamos no es ningún acto gratuito de canibalismo.

Estas absurdas frases anteriores me  sirven tan solo para ir calentando motores de la máquina reflexiva que todos llevamos dentro y con la  que quiero plantear  excusas a la destrucción de una de mis obras.
Allá por el 1993  me encontraba  trabajando en la serie “especies urbanas”, un trabajo que pertenecía a la asignatura de pintura del tercer curso de Bellas Artes , obra que era más cercana a la escultura que a la pintura propiamente dicha , luego tras varias exposiciones las piezas se fueron vendiendo hasta hoy que mantengo tan solo un par de cuadros escultóricos y unas pocas más esculturas de aquella serie. El caso es ,que en un mes me mudo de casa , y por tanto de taller  . No pretendo comerme ninguna obra, nada más lejos de mi intención que tampoco es crear confusión .Por esto ,desde el principio dejo bien claro que lo que pretendo es desmontar, ya que no es justo llamarlo “destruir”, una pieza para utilizar su materia, que es  la madera, como  leña para cocinar una paella en el jardín de casa. Digamos que el cuadro pasará a otra dimensión , seguirá siendo cuadro pero transformado en el mejor combustible para elaborar un sofisticado arroz .el humo y la esencia de  “especies urbanas” impregnará los granos de arroz que formará parte de nuestro banquete dominical .
La serie “especies urbanas” por mi parte nunca ha sido concluida , , es más, creo que ninguna de mis series lo han sido , ni pienso que deban serlo nunca . Por tanto esta pieza , que para mí es la más importante de toda la serie y una de las principales en toda mi carrera , fuese en este caso  segunda  en venir al mundo, tras una primera de aproximación a la nueva técnica que yo estaba descubriendo por aquel 1993. Siempre se ha dicho que en la primera obra se da el descubrimiento de las nuevas rutas , que en la segunda es en la que se define la verdadera investigación y se dibujan las conclusiones que mostraremos en el escaparate de la tercera obra ,y en la tercera es en la que se presenta el resultado final , luego vendrán la cuarta y sucesivas  que generalmente suponen meras fotocopias comerciales de las anteriores . en este caso tengo claro que la más auténtica y genuína es la segunda pieza que realizamos en cualquier serie ,la que tengo en cuestión hoy dedicada.
Estructura de troncos de madera formando el esqueleto ,bastidor que sale del cuadro como elemento compositivo de la pieza , Mies Van der Rohe revolucionó la arquitectura moderna en los años 20 (s.xx) extrayendo el esqueleto del edificio y sacándolo de la epidermis como elemento igual de importante tanto estéticamente como funcionalmente ,de ahí surgió el ABC de la escuela de la Bauhaus por ejemplo. Algo de relación con esto tenía la parte conceptual de mis obras en aquella época, aunque la verdadera idea vino tras una visita a un museo de una reserva india en Québec (Canadá), el sistema con el que aquellos aborígenes tensaban las pieles de bisonte para curtirlas al aire  en unos bastidores que laboraban de troncos , tensaban las pieles con hilo de piel a modo de cama elástica . Yo en este caso he trabajado con telas de yute de los viejos sacos de café y semillas , y con cuerda de lino. Recuerdo que compraba estos materiales en una alpargateria  en el Madrid más castizo de la calle de Toledo
Así pues,“Especies Urbanas “ supone el título de la serie completa aunque también lo es de este cuadro en concreto ,como digo lo realicé durante el tercer curso de carrera , compartiendo taller ,charlas ,descansos ,cafetería ,fiesta de carnaval,.. con un compañero entrañable, Guillermo se llamaba . Al final de curso se hizo una exposición de alumnos en la antigua estación de San Martín de Valdeiglesias . Especies urbanas estuvo colgado junto al cuadro que presentó Guillermo ,fue una inauguración que marcaba el final de curso , las vacaciones ,las últimas copas juntos , y tristemente Guillermo nos dejó por culpa de un accidente de tráfico minutos después de despedirnos, fui la última persona que habló con el antes del accidente. Especies urbanas ha estado todos estos años conmigo ,me ha acompañado en las mudanzas y siempre presidiendo el salón de las casas que he habitado . Con el tiempo se ha deteriorado , lo he restaurado continuamente ,los hilos se destensaban , la madera se secaba ,en un momento sufrió ataque fuerte de Xilófagos (termita ) y tuve precintarlo durante 40 días con paradiclorobenceno,un producto de sobra familiar en el gremio de la restauración, nunca le he dado barniz ,siempre me ha gustado ese aspecto mate que ofrecía la obra, hoy los niños chocan sus cabezas con él  cuando juegan saltando en el sofá de casa.
 Alegremente ha llegado su hora , mi mujer propone que lo venda barato que seguro que alguien lo quiere ,no lo creo , es un armatoste y se requiere demasiada sensibilidad para ser aceptado en cualquier casa. Ese cuadro es mío , y si no está conmigo en materia lo estará en esencia, así de claro . Merece un final glorioso, no tanto un  final sino un paso a otra fase, a otra dimension estética, Convertirse por fin  en mi primera pieza que entra en el sagrado estado de la eternidad metafísica. Me he puesto en contacto con mi amigo y realizador de documentales Jorge Allen para invitarle un domingo a casa a filmar todo el proceso de desmonte , troceado y posterior elaboración de la paella para finalmente compartir el banquete junto a mi familia . En ese día tendré más que nunca en mente dedicado a mi gran amigo Guillermo Bilbao, un tipo excelente ,simpático como pocos y siempre alegre ,que vió parir desde el primer instante toda esta serie de piezas y de quien desde entonces no dejo de acordarme en  puntuales momentos durante las muchas horas que paso en el taller trabajando.
Y ya, metiéndome el en fandagoso terreno del ,al parecer  necesario añadido conceptual,  podría ponerme a hablar de , esencia del arte , metamorfosis de el instinto , de la brutalidad , del momento inspirativo ,de la libertad creativa ,........., términos serios necesarios que hoy acompañan a cualquier reflexión estética, más cuando ésta carece de la fuerza necesaria como para poder prescindir de todos estos abalorios y complementos conceptuales, con fines a aparentar mejor calidad . Pienso que en este caso no hace falta nada de esto , la obra habla por si sola ,ha hablado durante más de 20 años y va a seguir dando guerra ,al menos en mi cabeza durante mucho tiempo . El hecho de la performance ,acción final o como se le quiera llamar , representa en este caso un final de fiesta , una ceremonia , un ritual ,o ,el simple hecho de que nos mudamos a una casa más pequeña y por falta de espacio, me vea obligado a  sacrificar algunas piezas .En caso de no hacerlo con esta en concreto ,es 100% probable que pueda terminar pudriéndose en un rincón del nuevo estudio llenándose de polvo  de arañas o terminando deformada por el peso de los otros cuadros apoyados encima .En definitiva , que supondria una condena que para nada se merece, yo propongo un final de Gladiador con los mejores honores y el calor familiar.



miércoles, 11 de enero de 2012

Dibujos invisibles .Reflexiones gráficas entorno a un Haiku




Tintas invisibles, la cara como espejo del alma, dibujando con el agua. Elemento transparente, ape
nas tiene cuerpo visible, el agua es alma ,el H2O espíritu.
Primeramente se traza ese alma ,el espíritu para nuestros ojos vestida con sábanas de fantasma.
Fluctúa la forma, surgen las corrientes marinas , tsunamis y oleajes, el pigmento así nos dibuja los ríos , corrientes y remansos, los remolinos y las aguas turbulentas . Y todo ello hecho luz por esas partículas que mágicamente tiñen el agua haciendo eco de su gran poder vital.
Un simple trazo con una brocha desgastada rígida y semiseca ,de esas que no sirven más que para hacer de estopa . Las cuchillas del arado desgarran la tierra en la que germinará el dibujo. La proclamación de el agua como fuente de vida. Vida que está ahí , tan solo hay que hacerla visible ante los limitados ojos y miradas acotadas de los humanos.
Y es que la sabia naturaleza por algo no nos dotó de esa variante logarítmica para percibir la transparencia de las cosas .Tan solo el espíritu ,predispuesto ,abierto y entrenado es capaz de sentir con claridad a ese cuerpo transparente, Dios lo hizo así para que el interesado se lo currase un poquito. Así, la experiencia , la espera y el tiempo nos harán capaces de interpretar igualmente el lenguaje de los Haikus japoneses.
CADA VEZ VEO CON MAS CLARIDAD QUE ESTOS DIBUJOS SON EL PASO PREVIO A ESCULTURAS.

Puede servir esto como introducción narrativa para los dibujos en los que estoy trabajando. Hasta ahora no había hecho referencia a los llamados versos Haikus . Según cuentan quienes han tratado de dar una métrica razonada a algo que poco precisa de ser razonado ,son versos que siguen el esquema métrico de 3-7-5. En apariencia, una limitación a algo que se escapa sustancialmente de cualquier limité impuesto a los confines de la imaginación , ¿intuición tal vez?,sabemos de sobra de lo absurdo de poner límites al mar ,al firmamento o a las personas.. Así pues ,intentemos algo así mediante un trazo con agua, éste nos mostrará su verdadera sustancia cuando al espolvorearle unas partículas de pigmento se someta inevitablemente a una metamorfosis. Aparentemente surge el movimiento , movimiento que ya existe implícitamente en el liquido sin teñir ,solo que ese tinte será el testigo que nos ayude a ver tal movimiento en aguas turbulentas y mansas al tiempo. Es el impacto visual de la aceleración del proceso que todo lo mancha y tiñe en matices de siena tostada del roble en otoño ,con reflejos de verde vejiga y el tono pardo del plumaje de un gorrión hembra. Y eso precisamente es el Haiku .
La belleza de la naturaleza siempre estará ahí, presente en nuestras vidas . Tan solo es necesario una chispa, un ligero accidente, un simple rayo de sol, un trinar de jilgueros en un amanecer primaveral o la melodía de las percusiones tintineantes de hojas y ramas en los árboles interpretadas por el viento . Viento ,también, en apariencia invisible como el agua, otro Haiku natural. La caricia o el pensamiento en el ser querido o simplemente la misteriosa sinfonía del silencio en el instante contemplativo, un quejido que nos brinda la naturaleza para recordarnos que Dios existe , que está presente en el papel en blanco humedecido con trazos de agua invisible ,......, en los dibujos invisibles, en el trabajo honrado y sincero.
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Reflexionando en estas líneas, e ingenuamente con la necesidad de justificarme injustamente, de ,el porqué me emociono, haciendo un simple trazo con agua y no puedo dejar de recordar un verso de mi antepasado y poeta Ramón Mas y Ros cuando asemeja la inutilidad de su vida con el intento de cavar en agua. Desde su tierna infancia siempre con su enfermedad a cuestas y constantemente sintiendo la llamada de la muerte a su puerta , escribiendo versos sorprendentemente avanzados respecto a sus veintiun años que entonces tenía, versos como:

Como si cavase agua ,
así es mi vida de inútil.
¡Cómo si cavase agua!

De noche quiero ser bueno.
Cuando salta la mañana,
La voz del querer, dormida
Se me queda en la almohada.

Trabajo que no da fruto.
Trabajo que no trabaja.
Viene la tarde y vacías
de luz encuentra mis arcas.

Me canso de mi torpeza,
Del ocio que se disfraza
Para sestear tranquilo,
De canciones y añoranzas.

¿No valgo, cielo, o qué triste
zumo recorre mi casa,
que al darme amor de ir a estrellas
me paraliza las alas?

Cavador-azada del tiempo-,
no adentro una pulgada.
Mi trabajo es vida inútil
Porque doy golpes al agua.

Este es uno de mis versos preferidos no solo de R.MyR sino de toda la poesía leída y hoy en mi álbum de recuerdos. Octavio Paz definió a la poesía como ese lugar o estado en donde realmente ”se le pueden pedir peras al olmo”, eso es aplicable a todas las artes , situaciones en las que realmente se puede también cavar en el agua.

Munich 11 de enero 2012

Nani Boronat Mas